Modern American Painting - AHSTON, Dore (The New American Library, 1970)
Buku ini memberikan gambaran informasi terkait seni lukis modern Amerika. Berawal dari dekade pertama abad kedua puluh, seniman Amerika hidup dalam situasi yang langka, terisolasi oleh masyarakat yang hampir tidak menyadari keberadaan mereka, Letusan sporadis gerakan pelopor dengan cepat menghilang di hadapan ketidakpedulian umum. Generasi Amerika pertama yang membuat kesan kohesif di dunia lahir antara tahun 1900 dan 1915 kira-kira, ke dalam masyarakat di mana komunitas seni nyaris tidak ada—tak terhindarkan memelihara diri mereka sendiri melalui kontak jarak jauh dengan gerakan modern besar di Eropa. Melalui pameran langka karya Picasso, Matisse, Braque dan, kemudian, Miró dan surealis; melalui halaman ilustrasi majalah Eropa tingkat lanjut; dan melalui beberapa orang Eropa yang menetap di Amerika Serikat selama tahun 1930-an, orang Amerika membentuk citra mereka tentang apa artinya menjadi seorang pelukis dalam tradisi modern. Mereka yang sejak awal belajar melawan tradisi lokal, seperti ilustrasi jurnalistik atau lukisan 'adegan Amerika', mencari titik awal yang cocok ke berbagai arah. Beberapa tertarik dengan idealisme keras Mondrian, yang karyanya mungkin telah mereka lihat di pameran penting, Kubisme dan Seni Abstrak, di Museum of Modern Art pada tahun 1936. Yang lain terinspirasi oleh kebebasan estetika yang direpresentasikan dalam pameran pada tahun yang sama. , Seni Fantastis, Dada, Surealisme. Yang lain lagi dipecat oleh Léger, yang menghabiskan beberapa waktu di New York selama tahun 1930-an, atau oleh karya-karya Kandinsky, terlihat dalam koleksi Guggenheim di Museum of Non-Objective Art yang dibuka untuk umum pada tahun 1939. “Pemberontak muda” ini bisa tidak dewasa dengan tenang dalam vontent hanyalah apa yang ada di permukaan; dan bahwa tidak ada alasan untuk percaya bahwa seri pertama atau terakhir lebih baik atau lebih signifikan daripada segmen lain dalam seri tersebut. Sampai tingkat ini, ini adalah generasi polemik yang secara sadar bertekad untuk menggulingkan estetika tidak menyenangkan yang diwarisi dari pendahulu langsung mereka. Banyak dari pelukis muda telah memilih untuk mengisolasi alat melukis tertentu dan menanganinya secara eksklusif Garis atau warna atau bentuk menjadi, dengan sendirinya, area untuk dieksplorasi. Pelukis penting yang cenderung menekankan satu cara pada satu waktu untuk mengesampingkan yang lain dalam berbagai fase karyanya adalah Ellsworth Kelly ketika dia menggambar, seperti yang biasa dia lakukan, Kelly. bekerja dari alam; tetapi ia menggunakan garis murni, menentukan jarak antara bentuk daun, perpanjangan dan kebulatan batang, semuanya melalui garis kontur yang tepat. Demikian pula, ketika dia melukis, beberapa abstraksinya, di mana area melengkung yang besar tampaknya memenuhi bidang depan, deskripsi kurvanya tepat. Ini adalah sumber dan makna lukisannya yang kadang-kadang dibuat hanya dalam dua warna. Dalam seri lain, Kelly menghindari bentuk-bentuk tertentu sama sekali, dan bekerja dengan persegi panjang dengan warna yang berdekatan. Warna dipilih untuk resonansinya dalam kaitannya dengan tetangganya, tetapi menjadi jelas bagi pemirsa bahwa setiap area warna juga merupakan entitas yang tegas dalam dirinya sendiri. Dengan membatasi dirinya pada efek yang dapat dia capai dengan penggunaan warna saja, Kelly mengartikulasikan sikap tertentu terhadap lukisan itu: itu adalah objek yang terlihat dengan kualitas cahaya khusus, dan tidak dianggap lebih atau kurang. Dalam praktiknya, sikap murni seperti ini tidak pernah sepenuhnya tersampaikan dalam seni lukis. Setiap kali suatu area dibagi dan setiap kali dua warna disandingkan, sejumlah ambiguitas visual muncul dengan sendirinya terlepas dari niat murni sang seniman, Kelly memiliki kebijaksanaan naluriah yang tidak pernah mengizinkannya untuk terlalu menyederhanakan, atau meratakan citranya sepenuhnya.